1.漫畫與連環畫藝術 漫畫在台灣歷經被視為兒童「不良讀物」的時代；躍升至今日為文策院重點挹注的文創位階，一路走來，可以說是篳路藍縷！放眼當今，美國與日本的影視產業，除了得力於數位特效的加持之外，以原創漫畫文本為內容的商業手法，早就屢屢締造了票房佳績！然而，在台灣，漫畫、插畫、圖像小說等視覺語彙的教學、創作環境與相關課程，卻還遠遠不及隸屬同樣基因族譜的動畫和遊戲！ 看到本書《漫畫與連環畫藝術》的中文譯本出版，一方面覺得它遲到了！另外一方面，則是慶幸它終於填補上述的缺憾！ 本書作者威爾．艾斯納可以說是美國漫畫界教父級的重要人物，《閃靈俠》是他的代表作；美國漫畫界的奧斯卡「艾斯納獎」，即是以他的名字命名。本書是他任教於紐約視覺藝術學院時，精心反覆思考漫畫形式的當紅教材。開宗明義，艾斯納率先以「書畫同源」的概念，論證了文字和圖像兩者在漫畫中的要義與彼此加成的效益。繼之，深入闡述連環漫畫立基於畫框、景格營造「時間感」的視覺敘事特性；對於角色的肢體語言，其中所蘊含的神奇魔力，本書更是舉例鮮明豐富，毫不藏私，非常有參考價值！最難得之處在於，本書歷經無數次再刷，依然隨著數位出版的局勢轉變，去蕪存菁，增添了數位時代的漫畫觀察！ 不容否認的，漫畫的精髓不僅僅是作者專注於連環鋪排，畫出框格的形式表現，漫畫根本就是創作者與讀者、社群溝通的藝術形式！二十一世紀的今日，漫畫可運用的媒材相對豐富多元，創作者的圖像符號也不再侷限於寫意或是工筆，而故事所能刻劃的主題，無論是針砭時代抑或奇幻詭魅，完全沒有疆界！可以肯定的是，在這個強調媒體識讀的時代，閱讀本書，一定會大大增強我們視覺語彙的超能力！最終，每個人也都能來個「漫畫」幾筆！ 石昌杰 國立臺灣藝術大學多媒體動畫藝術學系教授 當我們眼睛一睜開，所觸及的就是圖像。 我一直相信圖像的表達比文字來得早，一定是見到一人、一草、一山之後，人再去賦予文字，而文字的開始即是簡單的線條構成，也就是「畫」出字來應用在人所眼見的紀錄與溝通，關於圖像演變文字的過程在這本書中就有提到。 漫畫這門學問少有人去進行研究與分析，從初期的單幅圖像敘事，後來發現單幅不足以表達而增加為多格，多格就加入關於分鏡的技術，到後來演變成加入文字的連環圖。雖然這本書是以美漫做為例子居多，可是在閱讀過程中，作者提到關於漫畫的時間控制、景框（分鏡）、表現解剖學（人物動作和表情）、寫作與漫畫（對話框擺設與台詞）與漫畫的應用（表演）等註解時都讓我心有戚戚焉。如電影《一代宗師》片末的一句台詞：「千拳歸一路」。 作者提到「漫畫藉由文字與圖畫交互出現，形成蒙太奇（montage）的效果，讀者需同時運用視覺與文字的解讀能力來閱讀。」這段話明顯是從閱讀者的心理層面來寫，但站在漫畫創作者的立場，則更需提醒創作者要站在更高的角度看整件事。 舉例來說，我們都曾到過某個風景區，創作者就像是導遊的身分，而讀者是觀光客。如果導遊具備的能力不足，無法安排好的參觀動線、行程時間（如在漫畫中未能妥善安排內容緊湊度、呈現的順序與敘述的方式等）那這趟觀光勢必是一場惡夢。並非風景區（故事）不好，是導遊（創作者）出了問題，觀光客（讀者）是無辜的。 而這本書的作者是個好導遊，他能帶著大家一步一步的瀏覽關於漫畫的風光。 阮光民 《用九柑仔店》漫畫家 金漫獎青年漫畫獎／年度漫畫大獎得主 近年來，由於好萊塢電影的關係，台灣由許多人透過超級英雄作品，開始對美國漫畫感興趣，進而想要理解相關的文化。然而，要探索美國漫畫演變的過程，就必須理解身為「前身」的連環畫。 連環畫最早是刊登在講述社會時事消息的報紙上，因此內容不管是諷刺、冒險、幽默，甚至科幻，都反映當下的社會與文化，可以說對應著現實的不同面貌，讀者也能藉此感受到作者如何用圖片來表達自己的想法。 在這本《漫畫與連環畫藝術》中，我們能透過美漫界的大師威爾．艾斯納，對於漫畫這個體裁多年的研究資料做為基底，用文字和圖畫來解說範例，一同認識它的演變。 我對這本書能夠問世感到非常高興，因為台灣人熟悉的漫畫往往是日本作品，卻忽略同樣是娛樂大國美國漫畫能如此興盛的原因。在本書解析內容當中，尤其讓我驚艷的，就是分析如何在同樣的動作架構之中，運用不同的台詞、光影、性別、架構、背景、故事，就能呈現出多樣化的主題與氛圍之技巧。 這種看似簡易，實則複雜的作畫過程，其實才是最能看出漫畫家功夫的地方。使讀者能夠快速理解這種過程，並藉此延伸討論相關的文化與歷史，是本書的最大特色。 希望各位不論是喜歡漫畫、超級英雄、文化、藝術，甚至是歷史的人，都能透過《漫畫與連環畫藝術》理解到「漫畫的創作，其實是非常偉大的。」 方世欽（POPO） 歐美流行文化產業分析專家／美漫達人 2.圖像說故事與視覺敘事 我一直都覺得，漫畫是說故事最好的載體。它比純文字的小說更親切，同時因為可以同時運用文字、圖畫、分格等工具，能使用的技巧更多元，再加上成本遠比影視作品低廉，因此在故事IP的養成上，漫畫能夠孕育、嚐試的可能性更多，很適合做為大投資的電影和電視的前哨戰。 在這個故事為王的時代，學習如何說故事的技巧越來越重要。我自己學東西，最喜歡的方式都是尋找源頭，理解一門技術發展的脈絡，知道它誕生時是什麼模樣、過程中經過什麼演變、遇到哪些問題、經歷了哪些技術的創新，才漸漸變成了今天我們看到的樣子。 為什麼需要這麼麻煩呢？因為知道前人做過什麼，你才知道自己是在走老路還是在創新。就像書中第四章提到畫家如何模仿大自然生物來畫不同性格的角色，以及同樣是刀，不同企圖下會畫成不一樣的樣子，我覺得這是非常有意思的。你不一定要依循傳統，但對傳統有所理解，才知道我們該怎麼創新。 這本《圖像說故事與視覺敘事》，書中的例子雖然看起來頗有年代感，但卻是紮紮實實的把美國漫畫從最原始的狀態如何走到今天的軌跡表現出來，並且讓我們看到好萊塢影視與漫畫之間，在分鏡上的相互影響與演進，為這一門技藝帶來更深入的學習與養分。 東默農 編劇講師 對一個喜歡看漫畫的人來說，「敘事」相當於讓讀者理解劇中邏輯的存在。尤其如果還要配合人物和背景不會動的圖紙，「敘事」又等同於講解故事以及角色動機的旁白。此外，隨著時代改變，漫畫議題也愈來愈複雜和多元，「敘事」還能藉此架構起世界觀、不同作品間的聯動，使其變成一種手法。 「敘事」會隨著角度有著不同的作用，甚至還能隨著紙本藝術，創造許多特殊用法，藉此凸顯編劇和畫家厲害之處。像我個人很喜歡的一種「敘事」方式，是整本漫畫沒有對白，只靠著圖片張力，就能讓讀者清楚理解劇情架構和角色心境的做法。因為這代表著讀者已經對這個角色有一定的熟悉，而編劇撰寫的劇情主題非常清楚明瞭，完全不需文字解釋，搭配的畫家也一定跟編劇相當有默契，如此才能只用圖片闡述搭檔想要表達的劇情。 這本《圖像說故事與視覺敘事》一書，完全講述了「敘事」的重要性與巧妙之處，我認為不只漫畫作者，在動畫、影集、電玩和電影等相關產業的工作者，都能透過此書學習到很多東西。 方世欽（POPO） 歐美流行文化產業分析專家／美漫達人